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Jordi Forniés es un músico, compositor y artista visual nacido en Huesca y residente en Singapur. Sus obras se caracterizan por un continuo entre tiernos estribillos generales y secuencias definidas con un impulso creciente.
Siempre contemplativo y expansivo, sus composiciones se inspiran en la música electrónica neoclásica y ambiental. Forniés compone para piano, cuerdas y pequeños conjuntos, trabajando con grabaciones de estudio junto con elementos electrónicos.
Su primer álbum, Loudly Quiet, se lanzo en 2021, y su próxima exposición individual bajo el mismo nombre. El álbum es una colección esperanzadora y conmovedora de composiciones para piano y cuerdas, centradas en una historia individual. A menudo ha colaborado con otros, incluido Bouvaque, el fotógrafo y cineasta Han Sungpil, para quien Forniés creó una partitura para piano y cuarteto de cuerda.
Ha compuesto para películas, incluido el documental épico de Caroline Fink sobre el retroceso del glaciar más grande de Suiza, Aletsch: Of Ice and Men, 2016, e hizo música para documentales e instalaciones de video de Gitta Gsell.
También trabajó en el gran proyecto Mother River de Yan Wang Preston, que se exhibió en la Bienal de Venecia en 2015. Desde la infancia, un pianista de formación clásica educado en el Conservatorio Profesional de Música de Vila-seca en España, Forniés volvió a estudiar música en 2017, obteniendo una Maestría en Composición Musical y Orquestación en la Universidad de Chichester en el Reino Unido. Es miembro de la Sociedad de Compositores de Singapur.
Manel Ferrreirra, aunque nacido y criado en Portugal, Manel Ferreira mezcla estilos musicales tan diversos como los lugares a los que ha viajado: con su mochila y su guitarra a cuestas, ha visto las selvas de Guatemala y las escarpadas cumbres del Himalaya. Almacena sus recuerdos en formato musical -en piezas instrumentales, con influencias del flamenco y el tango, o en canciones que nos remiten inmediatamente al lugar donde fueron creadas-.
Cuando está en casa, recorre un camino igual de apasionante: fue uno de los ganadores del «European Guitar Award 2021» y ha tocado en lugares que van desde Sudáfrica hasta Rusia, pasando por toda Europa, tanto en solitario como con algunos de los mejores artistas de Portugal, entre ellos Ana Moura, con quien toca actualmente.
Está a punto de lanzar su nuevo álbum «Vento Ibérico», en el que presenta algunas de sus composiciones más recientes, con un toque más ibérico, y también algunos arreglos de canciones de artistas que le han influido, como Carlos do Carmo y Sérgio Godinho, en dos formatos: solo y con contrabajo y percusión.
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Maite León (Pamplona) y Antón Dolgov (St.Petersburgo) conforman un dúo español con una intensa actividad artística. Apasionados de la música de cámara, estos dos pianistas muestran un gran compromiso por la música escrita para duo de piano, con el propósito de reivindicar su extenso repertorio y mostrar las ilimitadas posibilidades que esta formación ofrece.
El dúo comenzó en el Conservatorio Superior de Música de Aragón con el pianista Miguel Ángel Ortega Chavaldas y el Duo del Valle, recibiendo también consejos del Duo Moreno-Gistaín y del Cuarteto de Quiroga. Tras graduarse con las mejores calificaciones, estudian Master de Piano Duo con el prestigioso Duo Silver Garburg, en la Kunstuniversität de Graz.
La prensa musical los ha descrito como un dúo «con gran sensibilidad y gusto musical» y una «perfecta sincronización entre ambos pianistas» (Diario de Aragón), destacando «una admirable perfección técnica, musicalidad y fuerza» (Ritmo).
Ganadores del 1o Premio en el Concurso Internacional Mirabent i Magrans, 1o Premio en el Concurso Internacional Luigi Zanuccoli, 1o y 2o Premio (VIII y VI ediciones) en el Concurso Internacional Antón García Abril, así como Premio Especial a “La mejor interpretación de una obra de García Abril”. Cuentan también con el 2o Premio en Juventudes Musicales de España, 2o Premio en el Concurso Internacional Ciutat de Vinarós y 2o Premio en el Concurso Internacional de Panticosa, entre otros. En 2018 fueron seleccionados por la Asociación de Intérpretes y Ejecutantes para realizar una gira por España dentro de su circuito AIEnRuta Clásicos.
Pese a su juventud Antón & Maite Piano Duo, es una de las formaciones españolas más prominentes de su generación, habiendo realizado giras por Europa y Asia, actuando en salas como el Gran Teatro de Harbín (China), el Grazer Musikverein (Austria) o la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza. Han actuado en algunos de los festivales más relevantes de España como la Schubertíada de Vilabertrán o el Festival de Música y Danza de Granada. Han realizado grabaciones para radio y televisión nacionales como RTVE Radio Clásica, Cataluña Radio y broadcasts como Clásica FM y han actuado como solistas con orquestas como la Sinfónica Goya, Orquesta Sinfónica del CSMA o la KUG Orchester, bajo la batuta de directores como Miquel Rodrigo o Ralf Weikert.
Su primer disco «ESSENZ» producido por el sello IBS Classical, recoge algunas de las obras más representativas para piano a cuatro manos de Mozart, Schubert y Mendelssohn, así como una transcripción propia de una obra del compositor americano William Bolcom.
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NOTA: Este single, se incluyo en el disco recopilatorio Expresión Joven 88 Diputación General De Aragón,
además se incluyeron en dicho recopilatorio los singles de ¨Los del Trasmuro¨ y ¨Mousse Band¨.
Agrupación Laudística de Cella (Teruel) Single
Director del Grupo: Pedro Fuertes.
Productor Ejecutivo: Ricardo. López Rodríguez.
Técnico de sonido: Antonio López.
Técnico de Mezclas: Federico Artigas.
Grabado en los Estudios HI-FI
Diseño Gráfico: G.M.P. PUBLICIDAD
Edita: ONDAS DIVIDIDAS RECORD´S
Promueve: D.G.A. DEPARTAMENTO DE SANIDAD BIENESTAR SOCIAL Y TRABAJO
Atardecer en las Islas Sanguinarias, bahía de Ajaccio (Córcega) filmado el 22 de septiembre de 2022.
Ambiente sonoro creado por Ignacio Alfayé Soriano, utilizando el pack de sonidos libres para ARIA Engine Vol.1, cargado en el rompler, igualmente free, Sforzando, de la empresa Plogue Art & Technologie, Inc. (https://www.plogue.com/products/sforzando.html).
Todos los instrumentos utilizan el temperamento Kirnberger II, que reúne los beneficios para la transposición de un sistema de afinación bien temperado y la calidad sonora de la afinación natural basada en los armónicos del sonido. Una sencilla y perfecta explicación de este temperamento puede encontrarse en la entrevista de David B. Doty al compositor Lou Harrison en 1987,
Harrison concibió su Piano Concerto de 1985 para este sistema de afinación, y la obra fue grabada por el pianista Keith Jarret y la New Japan Philharmonic, dirigida por Naoto Otomo.
La utilización de este sistema de afinación en el reproductor de muestras o rompler Sforzando es posible gracias a su integración con ficheros tipo .scl, estándar para el intercambio de escalas basado en el fantástico freeware Scala, herramienta informática diseñada para la experimentación con la afinación musical en entornos digitales y desarrollada por Manuel Op de Coul en Holanda (https://www.huygens-fokker.org/scala/index.html).
¨Ignacio Alfaye¨.
Desde mitad de los 90 he desarrollado una intensa tarea como compositor, músico y actor, tanto en proyectos propios como en colaboraciones con otros artistas. He formado parte de los grupos musicales Fagüeño, Lautari y Manouche Partie Trio, A Cadiera Coixa, El Perseguidor Trío, Duotónico y el dúo Alfayé/Martín. En 2004 fundé Margen Izquierda, para el que compuse todos los temas musicales.
He realizado giras y conciertos en España, Portugal, Andorra, Francia, Italia y Escocia y publicado seis grabaciones discográficas. He compuesto e interpretado música en directo para la compañía ABCDanza y el coreógrafo francés Joseph Stella, en el terreno de la danza, y para las compañías de teatro PAI y Zootropo. He compuesto y grabado toda la música del Parque de los Insectos de las Fiestas del Pilar de Zaragoza y he participado como músico de estudio en grabaciones para audiovisuales, páginas web y documentales. Profesor de acordeón diatónico en la asociación Gaiteros de Aragón desde 1999.
También he trabajado como docente en la Escuela Municipal de Música de Zaragoza, para la Generalitat de Cataluña y en diversos cursos en Francia, País Vasco y Asturias. En los últimos años, he asesorado musicalmente a la PAI en la creación de instrumentos musicales realizados con Arduino, como el ‘Asteroidófono’, con el que acompañaré ‘Garbeo Cósmico’ en las Jornadas D+i.
DISCOGRAFÍA: En solitario:
-"Melodeon works¨ (2024)
- "Best of¨ (2024)
- "Soy el viento y la hoja que se mece¨ (2024)
- "Dzaoudzi" (2015)
- "Musicas para el Espacio Bebe" (2013)
- "L'essens" (2011)
- "Pau-etika" (2008)
En diversas formaciones:
- A CADIERA COIXA: "MMXIII" (2013), "Tal ferás, tal trobarás" (2008), "Chez Darracou" (2005)
- MARGEN IZQUIERDA: "En movimiento" (2006)
- EL PERSEGUIDOR TRÍO: "El perseguidor trío" (2008)
- DUOTÓNICO: "La partida" (2010)
- GANCHO DROM: "De rodríguez" (2012)
- FAGÜEÑO: "Regalando las nieves" (2000)
Colaboraciones:
- RICOCHEFO: "Dois" (2008)
- THE PATINETTES: "Commit to the light" (2013)
- MANOLO KABEZABOLO Y LOS KE NO DAN PIE KON BOLO: "Si todavía te kedan dientes, es ke no estuviste ahí" (2014)
Javier Abrego es un compositor / pianista nacido en Zaragoza, en 1988.
Su trabajo se centra principalmente en el piano,
pero a veces utiliza sonidos orquestales y electrónicos.
Le gusta mezclar instrumentos tradicionales con efectos modernos
que utiliza para crear "texturas" en su música.
Sus composiciones dan como resultado canciones ambientadas
y cinematográficas que agregan elementos de jazz,
música experimental y electrónica.
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Es una agrupación de formación variable que profundiza en la Práctica Históricamente.
Informada como generadora de pensamiento y creación artística, así como de transversalidad emocional en la interpretación.
Desde sus inicios con Silvia Márquez, Anna Margules o Saskia Roures al frente, ha realizado proyectos con grupos y solistas invitados como Lina Tur, Vadym Makarenko, los Mvsicos de Sv Alteza; y de recuperación de patrimonio estrenando en tiempos modernos música de José de Nebra o la ópera de Antonio Caldara ‘La fede ne’ tradimenti’.
Componentes:
Violines: Vadym Makarenko (concertino), Mario Puimedon, Sofia Luna Valle, Almudena Uribe, Ana Martínez-Ríos, Abraham Carrasco, Inés Ruiz, Isabel López, Paola Diaz
Violas: Lucía Sánchez, Pablo Perals
Violonchelos: Laia Quinquillà, Fabiola Gómez, Nunilo Escolano
Contrabajos: Álvaro Gómez, Ausias Cuisinier
Oboes: Miquel Medina, Ángel Orellana
Fagot: Àngela Homs
Clave y órgano: Sergio Martínez, Iraia Otaduy
Flautas: Piedad Gómez, Minerva Civera
Flauta de pico: Francisco Egido
Maestro al cémbalo: David Palanca
SINFONÍA SPIRITUOSA
Sinfonia Spirituosa combina composiciones de autores europeos bajo la dirección de David Palanca al cembalo y la
Academia de Música Antigua CSMA. Un reconfortante programa que se desarrolla a través de melodías exuberantes
y armonías sofisticadas donde la música despierta un amplio espectro de emociones. La esencia del espíritu
humano como experiencia transformadora que celebra la vida y el arte, invitando a la reflexión y al deleite.
Lejos de la forma sinfónica estandarizada que florecerá más tarde, la "sinfonía" en los siglos XVII y XVIII era un término
mucho más flexible, que abarcaba desde oberturas operísticas y piezas orquestales independientes hasta conciertos
con múltiples movimientos. Este programa explora precisamente esa rica diversidad, presentando obras que
comparten un espíritu enérgico y una inventiva deslumbrante.
El programa comienza con la obra que da nombre al concierto. La Sinfonía Spirituosa de Georg Philipp Telemann
(TWV 44:D1) se presenta como una exclamación orquestal llena de vitalidad. Su mismo título sugiere una energía
efervescente que se manifiesta en cada uno de sus movimientos.
A continuación, nos sumergimos en la intensidad dramática del Concerto Grosso en do menor Op. 1 n. 11 de Pietro
Antonio Locatelli. Aquí, la contraposición entre el grupo solista y el conjunto orquestal genera una tensión palpable y momentos de lucimiento instrumental que, si bien no estrictamente virtuosos en el sentido más superficial, demuestran un dominio expresivo profundo.
Desde el corazón operístico de Nápoles emerge el Concerto Grosso di Sinfonía en do menor n. 12 de Alessandro Scarlatti.
Esta pieza ejemplifica la permeabilidad de las formas en la época, fusionando la grandilocuencia teatral con la estructura concertante. Su maestría en la arquitectura contrapuntística y su rica variedad armónica revelan una profundidad emocional única de este compositor. Compositor del que se celebra el 300 aniversario de su muerte en este 2025.
Más adelante, se escuchará La Sinfonía de Arminio de Georg Friedrich Händel (HWV 36), concebida originalmente como
preludio operístico, despliega la maestría del compositor para la construcción de atmósferas nobles y la creación de temas
incisivos y memorables.
Un interludio orquestal lleno de gracia y color, llega con la Entrée de Polymnie de Jean-Philippe Rameau. Esta pieza,
extraída de una de las óperas más innovadoras del barroco francés tardío, evoca calma, dolor y luz al mismo tiempo.
El espíritu virtuoso italiano regresa con la Sinfonía de L'Olimpiade de Antonio Vivaldi (RV 725), una obertura
operística que rebosa acción, drama y danza al mismo tiempo.
Esta exploración sonora finaliza con la Sinfonía Conclusion de Telemann (TWV 50:e5), una pieza que, a pesar de su
título modesto, ofrece un final brillante y lleno de ingenio, reafirmando el espíritu "spirituoso" que impregna todo el
programa.
